Как выглядит сейчас европейский современный танец? Тот самый, на который мы привыкли ориентироваться и у которого привыкли учится. Я, как и многие, уже пять лет смотрю на него преимущественно сквозь экран телефона или компьютера (последний большой фестиваль, где я смотрела работы вживую, был фестиваль танца в Монпелье в 2019). И хотя есть мнение, что современный танец в Европе зашел в тупик, и хореографы поэтому ударяются в различные перверсии – это всего лишь мнение. Я думаю, что он выглядит по-разному. Правда в том, что он уже многое себе разрешил (хореографы точно не стремятся ставить "нравственно"). Есть большие мейнстримные компании, есть индивидуальные художники, есть небольшие коллективы и группы. Даже географический фактор уже не играет, на мой взгляд, такой большой роли как то, в каком контексте работают компании, в каком масштабе и структурном слое.

Но не так давно я стала участницей интересного разговора о том, куда движется современный танец. Дело в том, что он действительно движется. Тенденции действительно существуют - объективные тенденции времени. Каким-то образом вы начинаете чувствовать общую направленность и общее поле разных работ и разных практик. Действительно разных, но не противоречащих в этой разности друг другу. И это невероятно интересный момент, потому что именно он является платформой для коммуникации. Вы интересны тем, с кем у вас есть что-то общее. И вам интересно то, что резонирует с вами.

Мне кажется, что ключевая тенденция - это окончательный уход от определения танца как перформативной, исключительно сценической формы искусства. Танец уже давно перестал восприниматься как нечто орнаментальное, развлекательное и существующее только на сцене. Танец - это life-long practice. Практика длиною в жизнь в разных формах, в разных пространствах и в разных обстоятельствах. Сейчас я проживаю вот этот фрагмент моей жизни и этот отрезок времени. И я могу практиковать танец или движение в той форме, которая доступна для меня здесь и сейчас - в том числе в вербальной форме, как в этом блоге. Я не делаю того, что я не могу. Но то, что могу, я делаю (как обычно, в теории выглядит замечательно, но на практике бывает нелегко).

Ещё одна тенденция - даже не тенденция, а своего рода ценность для меня в танцевальной работе - это нонконформистский и поэтому непривычный и неудобный для массового зрителя танцевальный язык. Танцевальный язык, который не является репрезентацией кодифицированных техник и подвергает сомнению устоявшиеся эстетические каноны. В том числе, в отношении тех же танцевальных тел, которые обычно оцениваются преимущественно с перспективы их "поверхности", то есть внешней, "косметической" перспективы. Я поняла недавно, что мне уже совершенно не хочется употреблять слово "танец". Мне хочется употреблять слово "движение". Именно потому, что с танцем до сих пор связывается слишком много вещей, которые не имеют к "моему" танцу никакого отношения. Он для меня подразумевает совершенно другой слой ассоциаций.

Российский современный танец как-будто бы заметался в последнее время в поисках своей идентичности и начал придумывать собственные тенденции. Это довольно интересный вопрос – про соотношение идентичности и тенденций. Мне кажется, что идентичность - это не про соответствие тенденциям, а про распознавание своей ценности. Которая всегда только внутри вас - не снаружи. Она нужна, чтобы стать видимым, распознаваемым. А значит, иметь возможность коммуницировать с кем-то, экспортировать свои идеи. Иначе зачем все? Стратегический вопрос – это куда экспортировать идентичность и с кем ей делиться.

На следующей неделе обещаю практическое видео. А пока несколько трейлеров с фестиваля ImPulsTanz в Вене (кому-то из моих знакомых даже удалось посетить его лично). Как здорово выглядят на сцене танцоры 50 плюс. С их морщинами и стареющими телами. Приоритет индивидуальности над идеальностью - это то , что так сложно понять и принять очень многим, и не только в танце. О хореографах и их работах можно поискать информацию самостоятельно в интернете.

Начиная со следующей недели в блоге будет меньше рефлексирущих на практику размышлений и больше самой практики. Но мы только что вернулись с фестиваля, поэтому небольшая фото экскурсия с этого путешествия. Фестиваль –  тоже практика и повод для размышлений. А пространство российских фестивалей современного танца - это для меня blind spot.

Я недавно я стала обращать внимание на то, кто из хореографов смотрит чужие работы. То есть находит в себе ресурс внимания к чужому творчеству. Мне кажется, что есть такой феномен: фиксация хореографа на собственном творчестве. И хореографы делятся на тех , кто смотрит работы других хореографов. И на тех, кто нет. Мы не смотрим работу в двух случаях: априори считая, что работа не может быть нам интересна и только снизит концентрацию, необходимую для того, чтобы создавать и продвигать свой продукт (а это огромная концентрация внимания и сил, при этом чужое творчество как будто бы отвлекает нас от самих себя). Либо мы не хотим встретиться с тем, что вскроет наши собственные триггеры восприятия и снизит самооценку (иногда первая причина маскирует вторую).

На мой взгляд, фестивальное пространство – это пространство не для демонстрации себя в первую очередь, а пространство для формирования новых точек роста. Пространство для коммуникации. Мне кажется (я уже писала об том), что современный танец - он весь о коммуникации. Тенденции развития в любой области искусства объективно существуют. Их можно почувствовать, уловить, нащупать, наблюдая за собой и наблюдая других. Поэтому умение находить в себе ресурс внимания, отстраняясь от своих паттернов восприятия (самый забавный – это вести себя так, будто работа на тебя нападает) - очень полезное умение.

Что касается экспертов, то я всегда переживаю за них и внутренне готова к любому кринжу. Но в этот раз, если не считать небольших лексических шероховатостей и оговорок, которые можно списать на волнение, было достаточно корректно. Никто не призывал к ответственности перед зрителем. Была высказана интересная мысль (без иронии, действительно, интересная) о том, что в поисках аутентичности танцевального языка мы часто приходим к микродвижениям, микрожестам и мелкой пластике. Это повод для дискурса : танцевальный язык в принципе наиболее проваленный в восприятии и недооцененный у нас параметр работы.
Аутентичность, действительно, проявляется в деталях, интонациях и оттенках – но она может проявляться в разных формах, динамиках и амплитудах. Это мое мнение. А интерес к "маленькому" движению, которое способно передавать нюансы внутренних состояний – это, скорее, манифестация интереса к уязвимому, личному и интимному внутреннему миру. Правда, только внутренний мир и может быть по-настоящему аутентичным.

" Waterforms" на фестивале отметили специальным призом. А я поняла, что за два года эволюционировала от хореографа, который множит клише и штампы, до хореографа со своим собственным уникальным языком. Правда, возможно, все зависит от контекста. Напишу чуть больше о втором дне фестиваля (когда мы только смотрели) в запрещенной сети.

Дорогие подписчики моего блога. Я планировала устроить себе июльские каникулы, поскольку в настоящее время нахожусь в резиденции, ради которой пришлось пройти настоящий визовый квест. Но поняла, что жутко соскучилась по еженедельной рутине с написанием эссе и постов. И поэтому возвращаюсь. Итак, я в целости и сохранности на острове Лефкас. После красивых, но страшноватых Афин - любая столица имеет свою темную сторону - Лефкас выглядит настоящим раем. Кроме меня здесь ещё 20 танцоров из разных стран (Испании, Англии, Израиля, Германии, Штатов, Канады, Греции, Бельгии, Нидерландов, Сирии, Сербии, Украины). Один вид с танцевальной площадки, построенной высоко на холмах, стоит всех нервов, которые я потратила на визу. И с этой высоты все видно гораздо яснее и лучше. Во всех смыслах и во всех отношениях.

Пять лет я не имела возможности выехать ни на один европейский воркшоп, и это чувствуется. Все-таки , если вы называете себя современным танцором, то вам необходимо соприкасаться с опытом других людей в новых обстоятельствах и делать это в сообществе, где нет бесполезной искусственно создаваемой конкуренции и необходимости бесконечного самопозиционирования и доказывания самому себе и другим, что вы лучше, чем вы есть на самом деле. И уж точно лучше, чем все остальные. Поэтому буду рассказывать о том, что тут делаю. А то, что не поместится в блог, буду постить в запрещённой сети в сторис. Мне важно ловить момент. Наблюдений столько, что надо как-то успевать их фиксировать.

Резиденция - это ни разу не отдых. Скорее , переключение. День расписан по минутам с 7 утра до 10 вечера и включает в себя три совместные практики и обязательную вечернюю коммуникацию (ей здесь уделяют внимания ничуть не меньше, чем двигательным практикам). Мои ощущения и эмоции каждый день плавают в диапазоне от полной фрустрации до космического восторга. Я найду время написать о том, в чем состоит идея этой резиденции и почему это важный опыт. И почему этот важный опыт важен , пока вы ещё относительно молоды. Время бежит быстро. У меня , ко всему прочему, тут ещё и будет ДР.

С самого первого дня я пытаю всех вокруг вопросами, знают ли они что-то про русский современный танец. Увы, он не вызывает никакого любопытства. И так будет ещё долго. Поэтому можно смело назначать любой танец современным, провозглашать любые тенденции и аплодировать самим себе. Никто слова не скажет. Но если отвлечься от грустного, то тут кузнечики величиной с грецкий орех, которые едят пластик, много всякой другой живности, на которую нельзя наступать ради собственной безопасности, пляж в часе ходьбы. И время, чтобы подумать обо всем, что имеет значение. И забыть то, о чем вспоминать не имеет совершенно никакого смысла.

#artresidency #резиденциятанец

Мое чемоданное настроение, когда не можешь сосредоточиться на важных вещах и хочется генерировать как можно больше бесполезной суеты, длится уже недели две. Питер - одна сплошная впечатляющая декорация, которую хочется менять время от времени. Избыток солнца и света выбивает меня, северного человека, из привычной колеи, а от стандартной бессонницы белых ночей не спасают даже черные занавески. Поэтому академические посты писать совершенно невозможно (как и читать, я думаю). И все же я планирую в скором времени вернуться в мир, где люди пишут и читают длинные тексты, снимают и смотрят длинные видео и не отождествляют виртуальное тело с физическим. Но пока вместо всего этого - скетч с последних предотъездных репетиций продолжительностью в целую минуту. Может быть, после летнего ретрита у меня появятся силы снять урбанистическое танцевальное кино. А заодно я попытаюсь понять, почему три курса по кинотанцу с мировыми звёздами в разных учебных заведениях оставили в моей голове множество вопросов и только одно наставление: "Делай, что хочешь. Снимай и монтируй, как хочешь. Но первый кадр должен быть твоим любимым кадром".

На видео: я и Юля Кастр

Дуэт "Пустая комната" не оказался одноразовой работой. Но он оказался работой мистической. Каждый раз с новым показом что-то отваливается в моей жизни : люди, вещи или события. А также связанные с ними представления и концепции. И каждый раз мне нужно найти ресурс, чтобы залатать это образовавшееся пустое пространство, посмотрев пристально в саму себя.

"Пустая комната" - это абсолютно выверенный космос, жёстко структурированный хореографический материал, прочерчивающий траектории в пространстве. Я только недавно поняла, зачем нужна бескомпромиссная точность движения , на котором построена хореография: она проявляет в нас человеческое. Пусть даже концептуально и абстрактно. Мы можем стремиться к абсолютной точности и синхрону, но через неизбежные недочёты и ошибки она показывает, что есть наша настоящая природа. Ее можно дисциплинировать, но нельзя полностью обуздать. И это наводит на размышления о смирении и принятии себя и других. А ещё этот дуэт - телесное эхо , оставшееся после работы с тремя танцовщицами : Урсулой Робб, Джоди Мельник и Элен Катала. Но об этом я напишу позднее.

"Пустая комната" - это очень странная работа. В ней мы можем существовать сами по себе, одновременно находясь в контакте друг с другом. Она уже второй раз оказывается на одном вечере с другим дуэтом. И каждый раз эти дуэты не просто разные, а почти противоположные по атмосфере, концепции, танцевальному языку. Несколько фото с показа фестивале 30 мая.

"Пустая комната"
Фото : Михаил Ряховский
Танец: Екатерина Соболева и Евгения Сизмина
Фестиваль "Другой способ сказать"
Санкт-Петербург
2024
#танецспб #хореографконтемпорари #современныйтанец #фестивальтанец

​“Многие говорят, что не знают, как смотреть на произведение искусства: они переживают из-за того, что недостаточно образованы, не увидят чего-то важного или сконцентрируются не на том; искусство, особенно современное и новейшее, вызывает в них неуверенность и неловкость. Люди боятся, что свидания с искусством не приблизят их к глубокому чувствованию или пониманию предмета, а только обнажат их невежество, и это будет способствовать дальнейшему отчуждению”. Это цитата из книги Лэнса Эсплунда “Искусство видеть”, которую я долго пыталась начать читать, но ничего не выходило. Я настороженно отношусь к книгам по искусству и к самому слову “искусство”. Мне кажется, что вокруг “искусства” существует слишком много разных нагромождений, только отдаляющих людей от него. Я люблю слово процесс. Искусство - это процесс переосмысления других процессов, явлений, предметов, вещей. Но на этой неделе я оказалась в паузе длиной в полторы суток. Ни интернета, ни стола, за которым можно писать, ни пространства, где можно заниматься. У меня появился вакуум, который было необходимо заполнить. После первых десяти страниц книги у меня сложился образ Лэнса Эсплунда – образ фанатично влюбленного в искусство чудака-интеллектуала в очках, похожего на Вуди Аллена, который всю свою жизнь проводит в музеях (скорее всего, далекий от реальности). Я неожиданно прониклась к нему симпатией – мне нравятся люди, которые одержимы тем, что они делают. Лэнс пишет о своем первом опыте столкновения и переживания “подлинного” искусства, о художниках и их картинах - пишет ярко, эмоционально и убедительно. Его суждения о том, как стоит смотреть искусство, как находить ключик к его пониманию, не являются для меня чем-то принципиально новым. Скорее, он систематизировал некие универсальные точки, на которые стоит опираться вне зависимости от того, смотрим ли мы современный танец или современное визуальное искусство.
​Смирение и смелость – вот две вещи, которые, согласно Лэнсу, необходимы вам, чтобы научится видеть. Но для меня гораздо важнее вопрос о том, зачем это стоит делать. Зачем постигать искусство как процесс, переосмысляющий реальный мир? Затем, что если не пытаться понять сложные и непривычные для нас вещи, то мышление будет мельчать, становиться поверхностным, односторонним и неспособным воспринимать сильные, глубокие и оригинальные идеи. Мне кажется, очень мало людей в действительности способны испытать катарсис при виде произведения искусства – даже того, с которым у него “сложились взаимотношения”(выражение является хорошей альтернативой слову “нравится”). Но даже если мы не в состоянии подключиться на чувственном уровне к произведению искусства, мы в любом случае можем развивать мышление, которое помогает постигать вещи.
​Размышление – это ключ к опыту, и этот опыт не приходит без усилий. Но чтобы начать получать этот опыт, а не просто “смотреть”, нам нужны какие-то инструменты для этого и внутренний ресурс. Мы более позитивны в отношении информации, которая поддерживает в нас состояние действия, а не рефлексии. А необходимость погружения и анализа у многих вызывает раздражение и тоску. Вот почему люди чаще ходят в кино, чем в музеи. "Начните мыслить как художник" - говорит Эсплунд. “Я понял, что путь к видению и пониманию искусства предполагает остановку, готовность не спешить, присмотреться и заново научить глаза, сердце и ум не доверять автоматизму, а доискиваться правды; не узнавать лишь привычное и ожидаемое, а проявлять интерес к новым языкам и способам видения, задавать вопросы и постигать произведения искусства через их особенности и переклички. […] Спросите себя, куда зовет вас это произведение, на какие мысли вдохновляет; прекрасно, если работа вызывает чувства, нравится или не нравится, но гораздо лучше знать, почему происходит именно так, а для этого нужно ввести в оборот не только чувства, но и мысли, чтобы в своем восприятии произведения искусства вы могли достичь точки, где идеи поддерживают, воспламеняют и развивают друг дрга” (Лэнс Эсплунд, “Искусство видеть”).

​© Evgenia Sizmina, 2024
​
​#современноеискусство #новейшееискусство

Небольшое видео с технических классов и постановочного процесса с Modern Boom Ballet г. Киров. Я вдруг поняла, когда пересматривала многочисленные записи классов ещё из школы искусств, что тем, кто осваивает Релиз, бывает сложно уместить в сознании две парадигмы. Детей с детства учат напрягаться, чтобы сделать что-то хорошо. "Хорошее", качественное движение ассоциируется с напряжением. Поэтому попытки сделать "расслабленно", но качественно, часто выглядят неубедительно. "Расслабленность" на уровне подсознания ассоциируется с небрежностью и вялостью, потому что энергия ассоциируется с напряжением и мышечной силой.

Мышечная работа необходима, но процесс перестроения на другое мышление требует времени. Я думаю, что технический класс, особенно в постановочном контексте - не про комбинации и сложные для запоминания фразы. Он о том, чтобы через простые действия перестроить это телесное мышление и ощутить двигательную базу на новом уровне. Цель техники - структурировать внутреннее танцевальное тело, добавить еще один слой двигательного знания. Возвращение к фундаменту техники всегда предполагает возвращение к осмысленности. Мне кажется, что только создав такой фундамент, можно идти к более виртуозным и эффектным вещам, которые вовсе не самоцель , но некое продолжение, расширение техники в сторону ее внешней визуальной составляющей. Понимание техники не как инструмента по изменению телесного мышления, а средства двигаться наиболее эффектным способом, приводит к тому, что теряется восприятие эстетики и красоты простого двигательного действия, а телесная выразительность подменяется внешней экспрессивностью.

Релиз же про то, как генерировать внутри тела энергию, которая выстраивает скелетную структуру и связи между частями тела, но не блокирует движение в суставах и не создает препятствия к движению в виде лишнего мышечного напряжения. А еще это один из лучших способов воспитать некую естественность присутствия танцора на сцене. Обычно самое сложное в этой технике - осознать, принять и использовать свой вес. При этом довольно абстрактные идеи в определенном возрасте можно почувствовать только через очень конкретный материал. Если материал конкретен, то это означает, что его можно разложить на детали и составляющие. А качество - это и есть детали. Накопление деталей однажды перейдет на новый уровень телесного качества, и тогда можно будет спонтанно генерировать новые идеи и движения.

©Evgenia Sizmina

#releasetechnique #contemporarydance #релиз #партнеринг #современныйтанец #техническийкласс #техникаконтемпорари #хореографсовременныйтанец