Вот несколько интересных фактов о советском живописце Георгие Нисском (1903–1987):

📍Начал рисовать с детства. Его первые рисунки – паровозы на страницах книг отца, фельдшера местной железнодорожной станции, а первые художественные впечатления – репродукции пейзажей Шишкина, Куинджи, Левитана. Интерес к пейзажу останется с ним на всю жизнь, но вот способ его изображения кардинально изменится.

📍Учеба Нисского проходила во ВХУТЕМАСе, в то время он много времени проводил в спортзале. Одним из развлечений молодого атлета было выполнить стойку на руках на крыше учебного заведения, на парапете шестиэтажного здания. В спортзале волейболист Нисский познакомился с боксером Дейнекой. Они легко нашли общий язык, в том числе в своем стремлении показать на полотнах окружающую их новую действительность, и именно Дейнеку Нисский считал своим наставником.

📍Одним из увлечений Нисского был парусный спорт – на собственном швертботе он не только путешествовал, но и участвовал в соревнованиях и стал чемпионом Москвы. Он также был одним из немногих в среде художников, у кого была собственная «Волга», на которой он передвигался в поисках интересной натуры.

📍Уже его дипломную работу «Интернационал на “Жиль-Барте”. Восстание французских моряков в Одессе в 1919 году» сразу после защиты купила Третьяковская галерея.

Гуашь «Вечер в заливе» относится к циклу характерных крымских пейзажей и видов, над которыми, как правило, работал Нисский во время своих летних поездок к Черному морю. Эти вещи писались им непосредственно с натуры или на основе полученных во время прогулок впечатлений.

Работая над пейзажем, Нисский намеренно выбирает удлиненный формат листа бумаги для передачи панорамы и масштаба выбранного им вида черноморского залива в Севастополе, более точного вечернего состояния золотистого неба и невероятно насыщенного, чуть разбавленного белилами, спокойного моря. Все это создает особое состояние и настроение, ощущение вечерней умиротворенности, покоя, расслабленности после жаркого дня, которое даже не нарушает проплывающий по небу пассажирский самолет.

Приобрести эту умиротворяющую работу можно на нашем аукционе.

🖼Г. Нисский. Вечер в заливе. 1967.

#ХудожникДня

Эскиз, который вы видите, создан Александром Бенуа для постановки пьесы Мережковского «Царевич Алексей» в Большом Драматическом театре – первой пьесы, над которой в новом, послереволюционном театре работал Бенуа.

В этой постановке не было обычной для первых спектаклей театра романтической помпезности, торжественных порталов, специального занавеса, даже декоративного обрамления. Пьеса Мережковского рассматривалась как «трагедия реального типа», а ее персонажи – как живые люди, в психологической достоверности страданий и быта которых необходимо убедить зрителя.

Используя уроки Станиславского, Бенуа ставил перед актерами задачу «ближе подойти к жизни». Мастеру было присуще чутье специфики театральных жанров.

Пo мнению Монахова (исполнителя главной роли), «Царевич Алексей» стал «едва ли не лучшей, наиболее слаженной постановкой театра за все время его существования, он имел огромный и вполне заслуженный успех.

Бенуа сумел восхитить зрителей проникновением в мир трагедии и сумел в колорите интерьеров отразить противостояние двух главных сил – «багрово-красная» палата Петра и «светлая горница» Алексея.

Поэт Кузмин считал декорации Бенуа к этому спектаклю его «лучшими декорационными работами»: «Помимо театральности, – писал он, – есть какое-то острое ощущение чувства природы, воздуха и именно исторического воздуха, петровского солнца».

Бенуа признавался, что работал с «колоссальными трудностями» при остром «недостатке материалов и технических средств». Но «я могу сейчас сказать: драма живет. “Царевич Алексей» производит на все элементы публики потрясающее впечатление. В постановке я стремился выявить основные идеи романа Мережковского, представляющего собою трагедию реального типа».

Приобрести эту знаковую с культурной точки зрения работу можно на нашем аукционе.

🖼А. Бенуа. В палатах Петра. Эскиз декорации для постановки пьесы Д. Мережковского «Царевич Алексей». 1919.

#КартинаДня

Что такое искусство? Это не только способ самовыражения, но и отражение человечества. Произведения художницы Наталии Нестеровой – яркий пример переплетения личной истории и жизни общества.

Нестерова родилась во время войны, в 1944 году, в семье архитекторов. Дедушка, Николай Иванович, был первым учителем Наталии. В три года она уже рисовала, а первой работой стал портрет деда.

Бабушка, строгий учитель русского языка, привила ей любовь к литературе и стихам. Кстати, в детстве они играли в карты, что, как вы видите, стало важным образом в работах будущей художницы.

Первая персональная выставка Нестеровой прошла в 1974 году и продлилась всего один день, но произвела фурор благодаря смелым картинам, которые противоречили канонам соцреализма.

Её работы наполнены символикой и метафорами, что позволяет зрителю увидеть не только красоту, но и глубину человеческих переживаний. Например, образы птиц в её картинах символизируют одновременно мечты и трагедии.

Наталия Нестерова любила изображать еду и застолья, что придавало её работам особую атмосферу праздника. Рынки и рестораны становятся самостоятельными персонажами картин. Она сама говорила: «Шумный базар – это символ изменчивого мира». Её персонажи – от библейских до современных – пируют вместе, что подчеркивает единство человечества.

Часто лица людей на её картинах скрыты или изображены с закрытыми глазами, что позволяет зрителям интерпретировать образы по-своему, делает работы театральными и интригующими.

Полотно «Карты», доступное для покупки на нашем аукционе, является ярким примером уникального стиля и философии художницы.

🖼Н. Нестерова. Карты. 1974.

#ХудожникДня

Портрет может отобразить не только внешность, но и идеалы человека. Одним из таких произведений является портрет Карла Брюллова, написанный Федором Завьяловым. Это полотно отражает личность великого мастера и служит примером связи поколений художников.

Федор Завьялов поступил в Императорскую Академию художеств в 1821 году. В 1833 году он получил малую золотую медаль за свою работу, а через три года – большую золотую. Это открыло ему двери в Италию, где он несколько лет вдохновлялся и совершенствовал навыки.

Автор не старался поразить зрителей своей фантазией, но был известен как отличный мастер и колорист. Его работы украшали храмы и дворцы, оставив заметный след в истории русского искусства.

Карл Брюллов же – один из самых значительных русских художников XIX века. Его творчество было пронизано духом романтизма и стремлением к красоте и свободе, часто отражало сложные чувства и переживания.

Интересно, что оба художника обращали внимание на культурно значимые сюжеты всемирной истории, подчеркивали их важность. Именно эта общая ценность и отражена в представленном произведении.

Портрет Карла Брюллова, созданный Завьяловым, задуман как полупарадный, что видно из внушительного размера полотна и композиции.

Художник запечатлевает Брюллова на фоне археологической зоны Помпей и дымящегося Везувия – напоминания о самом известном произведении героя картины. А женский скульптурный торс за левым плечом Брюллова – отсылка к античности, вдохновлявшей его.

Портрет великого художника – самая знаменитая работа Завьялова. Не упустите возможность стать обладателем произведения, соединяющего сразу несколько эпох человеческой истории!

🖼Ф. Завьялов. Портрет художника К. П. Брюллова. Середина XIX века.

#КартинаДня

Искусство, как зеркало общества, отражает его страхи, надежды и стремления. Например, картина Оскара Рабина «Дом напротив» (1975) – многослойное произведение, которое позволяет глубже понять тех, кто не нашел свое место в качестве винтика системы.

Оскар Рабин (1928–2018) – выдающийся советский художник-нонконформист, основатель «Лианозовской школы» и организатор той самой «бульдозерной выставки». Родившись в семье врачей, он осиротел в подростковом возрасте и нашел убежище в искусстве. Рабин учился у Евгения Кропивницкого и вскоре стал частью андеграундного художественного движения.

Его картины часто интерпретировались как протест против советского режима, хотя сам художник утверждал, что его искусство всегда было вне политики. Он был мастером живописи, который успешно продавал свои работы как в условиях андеграунда, так и после эмиграции на Запад.

Картина Оскара Рабина «Дом напротив» – яркий пример его уникального стиля и философии.

На первый взгляд, композиция может показаться простой: изображен дом с покосившейся водосточной трубой и унылым фонарем, отбрасывающим желтый свет на оконные стекла. Однако именно эта простота создает атмосферу одиночества и заброшенности. Рабин использует предметы повседневной жизни как символы более глубоких социальных и эмоциональных состояний.

Если вспомнить, что эта работа была создана в Советском Союзе, мы начинаем чувствовать в этом образе дома напряжение, конфликт между индивидуальным и коллективным. Вокруг многоэтажные дома, заводы, а напротив них – одинокий, едва держащийся домик. Но окна еще светятся – каждая индивидуальность имеет право на жизнь.

Кстати, это картина доступна для покупки на нашем аукционе.

🖼О. Рубин. Дом напротив. 1975.

#КартинаДня