#заметки
Впервые человек обретает полную свободу, покинув родительский дом. Но, столкнувшись с ней, часто ощущает не облегчение, а тяжесть и смущение. Предоставленная свобода выбора сбивает с толку, когда возникает необходимость определить смысл собственного существования. Всё обретает мнимую значимость, и уныние - мрачная тень, преследует нас как одна из форм страдания. Воспитанные на мифах о великих подвигах и славе, мы ищем признания и возвышения, и, за этими потаканиями своему эго, мы не можем разглядеть уникальность и красоту собственной жизни.

Человек, ведомый страхом и неясностью, не имея опоры, движется бесцельно, ища утешение в алкоголе и праздности, защиту в коллективе, питая иллюзии о разделении страданий. Но это приносит ещё больше страданий — ненужных и лишних, неестественных страданий, не тех страданий, что проистекают из сути бытия, а страдания мелочные, страдания эго, которые лишь путают и уводят в сторону от изначального вопроса: кто я?

И каждый человек неизменно заблуждается, вынужден заблуждаться, так как ответы на сложные вопросы не бывают простыми. Но, ища ответы в общности, мы ищем себя в окружающих, наполняясь их переживаниями и страхами, тем самым лишь умножая собственные. Рассуждения и помыслы о чужих судьбах высокомерны и непродуктивны, и лишь одиночество способно отрезать нашу судьбу от иных. И после только собственные мысли, печали и радости будут нас занимать.

Чем дальше человек идёт по пути истинного понимания себя, тем неизбежнее становится его одиночество. Одиночество — плата за поиск, оно — великая ноша и великий дар.

Друзья, огромное вам спасибо за вашу активность, это очень приятно! Всем прекрасных выходных 😊

Тексты песен Уайнхаус — иногда остроумные, болезненные, кокетливые, но часто грубые и излишне откровенные, всё же придают альбому неподдельную оригинальность. Есть что-то соблазнительно извращенное в несоответствии между пустяковыми лирическими заботами Уайнхаус и стеной звукового богатства Back To Black.

Является ли это положительным положением дел, спорно: качество Back to Black — нет. Освободите его от его наследия и ужасающей предыстории его песен, и вы получите потрясающий альбом — неожиданный, беспрецедентный всплеск креативности и таланта, который все еще эмоционально затрагивает, независимо от того, сколько раз вы его слушаете. Он кажется непроницаемым, это тот альбом, который будут слушать и о котором будут говорить еще десятилетия.

«Blue» — это квинтэссенция боли, переданная через эмоции океанической силы. Джони Митчелл показывает нам, что самым человечным в жизни является умение выражать свои подлинные убеждения и чувства, а также принимать последствия этой откровенности. Это основное требование любви, которое делает нас уязвимыми перед другими людьми, которые могут нас не понять или даже высмеять. Однако эта уязвимость — единственное подлинное сокровище, которое мы можем предложить другим.

Влияние «Blue» проследить не составит труда, оно повсюду. Madonna, Taylor Swift, Kate Bush, Lana Del Ray, Lordе, каждая из этих артисток открыто говорили, что именно Джони Митчелл и её проникновенное творчество явились основополагающим источником вдохновения для их собственных музыкальных и поэтических исканий.

Ссылка на стриминг

Led Zeppelin – Ramble On

«Ramble On» — это метафорическое переосмысление путешествия Сэма и Фродо из «Властелина колец». В этой классической песне 1969 года внимание рассказчика сосредоточено не на печально известном кольце, а на женщине, которая становится объектом его одержимости.

Например, во втором куплете Роберт Плант поет:

«В самых темных глубинах Мордора я встретил прекрасную девушку, но Голлум и злой дух подкрались и ускользнули вместе с ней»
Роберт Плант яростный поклонник эпического произведения Дж. Р. Р. Толкина. Настолько, что он назвал свою собаку — Страйдер в честь отважного следопыта и будущего короля Арагорна.

Led Zeppelin - The Battle of Evermore
Представьте себе широкие просторы Средиземья, окутанные мраком войны. «The Battle of Evermore» переносит нас в эпицентр Битвы на Пеленнорских Полях (оборона Минас Тирита), описанной в легендарной трилогии Толкина. В тексте песни можно найти множество отсылок к событиям эпопеи, где силы добра и зла сталкиваются в решающей схватке.

Мандолина и вокальная гармония создают древнюю и эпическую атмосферу, которая напоминает средневековое повествование. Вокальные партии Роберта Планта и Сенди Денни передают ощущение катастрофической борьбы и отчаянной надежды. В их голосах слышится тревога и героизм.

«Мы готовы встретить Темнейшего во всей его власти»

Песня касается темы личной жертвы и самопожертвования во имя высшего блага. Где моральное мужество и личная отвага становятся главным мерилом ценности жизни. Так же одним из центральных мотивов песни является отчаяние и поиск спасения. Песня звучит как мольба о возвращении мира и надежды.

Книги, неиссякаемый источник духовного и интеллектуального роста, способ общения через время и пространство. Все книги взаимосвязаны, и они строят коллективную память человечества, благодаря чему мы прогрессируем эмоционально и духовно как вид.

Книги служат механизмом для самопознания. Сократ утверждал, что «неисследованная жизнь не стоит того, чтобы её жить». И именно литература предоставляет нам пространство для самоисследования, созданное мыслями и размышлениями других людей.

Чтение — это диалог, в который мы вступаем с авторами различных эпох, культур и философских направлений. Именно через этот процесс диалога и размышления мы постигаем глубину своих собственных мыслей, чувств и убеждений.

Мудрость литературы и философии находит свое выражение не только в письменном слове, но и в музыке. Человек, стремящийся к глубокому осмыслению прочитанного, часто использует музыку как средство для передачи тех эмоций и идей, которые трудно выразить словами.

Так, выдающийся немецкий композитор Рихард Штраус создал симфоническую поэму «Так говорил Заратустра», вдохновляясь одноименным философским произведением Фридриха Ницше. Штраус использовал музыку, чтобы передать основные темы философии Ницше: стремление к сверхчеловечеству, преодоление и развитие.
Это произведение стало не только музыкальным отражением литературного текста, но и самостоятельным философским трактатом, переданным через язык звуков.

Но и в истории поп-музыки есть несколько весьма занимательных историй, связанных с литературой, сегодня о них.

Radiohead - Banana Co.

Песня показывает, как темы социальной несправедливости и корпоративной алчности занимали умы участников группы уже на начальном этапе творчества.

Radiohead, вдохновленные атмосферой, созданной на страницах романа Габриэля Гарсиа Маркеса, искусно переплетают образы из «Ста лет одиночества».

Они виртуозно передают чувство опустошения и горечи, которое банановые компании оставили после себя в странах Латинской Америки. Такие компании, как United Fruit Company, играли огромную роль в политике и экономике этих стран, что приводило к коррупции, эксплуатации и бедности.

David Bowie - We Are the Dead

Песня окунает нас в мрачные дебри антиутопического мира, созданного Джорджем Оруэллом в его знаменитом романе «1984». Название трека происходит из повторяющейся строки в романе, которая отмечает подавленные «внутренние и внешние стороны». То есть борьба с мыслями, идеями и чувствами, не соответствующими официальной идеологии и контроль за действиями, поведением и выражениями лиц. Также она предсказывает неизбежный арест главного героя полицией мыслей.

Интересно, что многие композиции с альбома «Diamond Dogs» изначально задумывались как часть грандиозной театральной постановки, основанной на «1984». Однако наследники Джорджа Оруэлла, отказали Боуи в правах на адаптацию романа.

Rolling Stones - Sympathy for the Devil

Мик Джаггер написал текст песни, вдохновившись романом Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» и она положила начало моральной панике по поводу сатанизма и рок-музыки.

В «Sympathy for the Devil» повествование ведется от лица самого Люцифера, так же как Воланд действует в романе «Мастер и Маргарита». Эта точка зрения позволяет исследовать человеческую историю с точки зрения зла и провокации, чем Булгаков активно пользовался.

В романе Булгакова Сатана оказывается свидетелем и участником различных событий, так и в песне «Sympathy for the Devil» упоминаются важные моменты мировой истории, распятие Иисуса Христа, октябрьская революция 1917 года, Вторая мировая война, убийства Роберта Ф. Кеннеди и Джона Ф. Кеннеди, эти исторические и культурные отсылки создают богатую и провокационную ткань повествования, помогая подчеркнуть главную идею песни: зло присутствует на протяжении всей истории человечества и в каждом из нас.

В «Houses in Motion» слышно влияние даб-музыки с ее характерным замедленным темпом и акцентированными эффектами на басу и ударных, на передний план в ней выходят саксофон и другие духовые инструменты, добавляя музыке насыщенности и сложности.

Вокал Бирна часто меняет свои интонации — от монотонного до внезапно возбужденного и интенсивного. Эти изменения создают динамичное и напряжённое настроение.

«Houses in Motion» — это великолепный пример музыкального и тематического синтеза. Глубину которого можно оценить, лишь погрузившись в её гипнотические текстуры самостоятельно.

Атмосфера «Seen and Not Seen» задумчивая и слегка зловещая, что подчёркивает характер текста. Вокал Дэвида Бирна играет центральную роль в композиции. Его исполнение монотонно, он рассказывает историю, а точнее рассуждает вслух об изменении внешности, как способа контролировать восприятие себя окружающими.

Лирический герой Бирна верит, что путем ментальной концентрации он может медленно изменять свою внешность, чтобы она совпадала с его внутренним образом.

Аранжировка «Listening Wind» создаёт ощущение тревожности и предчувствия. Вокал Бирна спокойный и сосредоточенный по сравнению с другими треками, что подчёркивает ощущение повествования или рассказа.

Мощный и поэтичный текст, исследует темы сопротивления, идентичности и культурного столкновения. Он повествует о человеке по имени Моджик, который наблюдает за вторжением и разрушением своей родной земли чужаками. И в терроризме он видит единственный способ борьбы с подавлением его культуры.

«The Overload» имеет тягучий и задумчивый темп. Гитарные партии минималистичны и используются для создания текстурного многообразия. Различные эффекты над гитарными звуками создают остаточный реверберационный звук. Синтезаторные звуковые пейзажи напоминают индустриальные шумы, добавляя дополнительные уровни мрака.

Вокал Бирна звучит крайне отрешённо, отражая темы тревоги и изоляции. Текст в песне неоднозначен и служит скорее для подчеркивания атмосферы, чем для передачи конкретного повествования. Лирика полна образов, вызывающих чувство дистопии и беспокойства.

Как итог, смешение культурных влияний, музыкальных новшеств и философской глубины сделало «Remain in Light» важным этапом в эволюции поп-музыки, что повлияло на множество последующих поколений музыкантов.

Слушай альбом в своём стриминге

Ставьте реакции и пишите в комментариях о вашем отношении к Talking Heads и Remain in Light ?

Альбом открывается энергичной «Born Under Punches (Heat Goes On)», сразу погружающей нас в полиритмический хаос, который нам предстоит пережить в следующие 40 минут.

Говорящий, а иногда кричащий стиль пения Бирна, очень изменчив, от мелодичного и почти медитативного до резкого и истеричного. Сложная вокальная и инструментальная аранжировка удивительно точно передаёт идею непрекращающегося давления и стресса.

«Crosseyed and Painless» продолжает тему потери надёжности восприятия и рассудка, ритм секция становится ещё более запутанной, что создаёт ощущение нестабильности.

Взволнованный вокал Бирна с шумовыми эффектами и внезапные музыкальные переходы дезориентируют, отражая потерянность в информационных потоках и ментальное перенапряжение.

«The Great Curve» базируется на повторяющихся ритмических и гармонических паттернах. Мощный басовый грув и энергетика вокальных партий ведут за собой.

Разнообразие гитарных партий и богатство перкуссионных вариаций, отражает уникальную способность Talking Heads смешивать мелодическую утончённость с ритмической изощренностью.

Гитарное соло, исполненное Адрианом Белью, добавляет искрящейся импровизационной энергии в песню. После него звучит центральная строчка, «The world moves on a woman's hips/Мир движется на женских бедрах», вершина мелодической и ритмической феерии! А кульминация песни становится настоящим гимном коллективной креативности Talking Heads!

Песня, отражение радостного принятия жизни и её динамики.

«Once in a Lifetime» отличается относительной доступностью и мелодичностью. Она превращает внешнюю интенсивность предыдущих композиций во внутреннее осмысление.

Рифф на басу, устанавливает стабильную, пульсирующую основу, вокруг которой строится остальная музыкальная структура. Дэвид Бирн использует «разговорно-проповеднический» стиль пения, который усиливает ощущение внутреннего диалога и размышлений над экзистенциальными вопросами, самоидентификации и ощущение потери контроля над собственной жизнью.

В тексте отражены переживания человека, внезапно осознавшего, что его жизнь кардинально изменилась, но он не понимает, как это произошло.

Moby - Play

Альбом Moby – Play стал мостом между разными музыкальными течениями и культурными контекстами, объединяя элементы поп-музыки, эмбиента, госпела, электроники, блюза и хип-хопа, и этот виртуозный синтез стилей и музыкальных традиций создаёт уникальный звуковой портрет времени.

«Play» звучит как манифест о важности объединения разнообразия в едином целом, о преодолении разрыва между различными культурными традициями и мировоззрениями. Он призывает к осознанию ценности разнообразия, к уважению и пониманию других.

В контексте поп-культуры, «Play» оказал значительное воздействие на музыкальные тренды и восприятие аудитории, помогая демонстрировать, что музыка может быть универсальным языком, способным объединять людей независимо от их культурного и социального происхождения. Этот подход к музыке помог Моби создать альбом, который продолжает влиять на современные и будущие поколения музыкальных творцов и слушателей.

Кроме того, «Play» пропитан студийным волшебством и мастерством сведения, это произведение звукового искусства, где каждая нота, каждый звук и каждый момент тщательно продуманы и отшлифованы до совершенства. В результате музыкальные композиции альбома приобретают уникальную атмосферу и звучание, которые глубоко воздействуют на слушателей.

Уникальность альбома «Play» заключается в его инновационном подходе к использованию семплов из старых записей блюза, госпела и хип-хопа. Этот подход придает альбому очарование и особую атмосферу.

Моби смог продемонстрировать, что даже в цифровую эпоху, где технологии и звуковые эффекты играют важную роль, можно сохранить связь с духом прошлого и всё равно создать нечто по-настоящему новаторское.

Использование семплов из старых записей в альбоме «Play» не только придаёт ему особое звучание, но и создаёт эффект временного и стилистического слияния, объединяя прошлое и настоящее в музыкальном пространстве. Этот подход не только позволяет отдать должное и уважение музыкальным традициям, но и показывает, что идеи и звуки, заложенные в старых записях, остаются актуальными и вдохновляющими для современных музыкантов и слушателей.

Альбом «Play» Моби является прекрасным примером того, как музыка может помочь людям открыть новые жанры и стили благодаря своей эклектичности и глубине. Его смешение различных музыкальных элементов позволяют слушателям расширить свой музыкальный кругозор и почувствовать всё разнообразие музыкального искусства.
«Play» Моби не только вдохновляет на изучение новой музыки, но и способствует эволюции музыкальных вкусов.

Ниже список самых популярных треков с альбома со ссылками на оригинальные записи, которые Moby использовал. Послушайте, если интересно и делитесь своими впечатлениями в комментариях.

1. Honey – использует сэмпл из трека "Sometimes" американской фолк-певицы Bessie Jones. (Оригинал)

2. Find My Baby - использует сэмпл из трека "Joe Lee's Rock" группы Boy Blue, Willie Jones & Joe Lee (Оригинал)

3. Porcelain - вступление Porcelain это запущенное в обратную сторону вступление трека Ernest Gold: Exodus - Theme of Exodus (Оригинал)

4. Why Does My Heart Feel So Bad? – использует акапеллы песни “He'll Roll Your Burdens Away” при участии Веры Холлидей. Также Moby использовал образцы старых записей молитв из Евангелие в этой песне. (Оригинал)

5. Bodyrock - "Love Rap" группы Spoonie Gee. "Love Rap" был выпущен в 1980 году и является классическим хип-хоп треком того времени. Моби использовал сэмплы из этой песни для создания основы и ритма "Bodyrock", добавляя свой собственный современный звучащий вокал и аранжировку. (Оригинал)

6. Natural Blues - использует сэмпл из трека американской госпел-песни "Trouble So Hard" в исполнении Vera Hall. (Оригинал)

7. Run On - использует сэмпл из госпел-трека "Run On for a Long Time", записанного в 1947 году американской группой Bill Landford & The Landfordaires. (Оригинал)