Мы видим босоногую девочку, в переднике у нее завязаны собранные грибы, на плечах сидит маленький братишка, крепко обхватив сестру пухлыми ручками. Девочка одета в простенький сарафан. Она испуганно оглядывается туда, откуда идут тучи, прикидывая, успеют ли они добраться до дому, прежде чем хлынет ливень. Мальчик же уткнулся в нее, на тучи он не смотрит. Видно, что он тоже испуган, а сестренка ему кажется защитой. Глядя на этих детей, мы представляем вполне реальных крестьянских ребятишек, и в то же время вспоминаем сказочных Аленушку и Иванушку.

Дети пытаются добежать до дома раньше, чем разразится гроза – а это будет с минуты на минуту. Перед нами короткий момент, предшествующий грозе. Небо затянуто, физически ощущается, какой там сейчас тяжелый, душный воздух. Порывы ветра клонят высокую траву, растрепывают выбившиеся из-под косынки волосы девочки и, кажется, подталкивают детей. А внизу, у самой земли, болотные травы не колыхнутся. Зато ненадежный мостик ощутимо шатается под ногами девочки. Кажется, тревожное ощущение ожидания грозы объединило настроение природы и детей. Великолепно написано небо, в нем отражено всё разнообразие предгрозового состояния: чередование оттенков, надвигающиеся тучи, яркие проблески солнца.

Эту девочку Маковский встретил в Тамбовской губернии. Он вышел на природу с мольбертом, а вокруг него собралась стайка деревенских детей. Бойкая глазастая девчонка спросила: «А что ты делаешь?». Художник ответил, что рисует, и предложил и ее нарисовать. Договорились устроить «сеанс» завтра. На следующий день вокруг Маковского собралось еще больше детворы – а той девочки не было. Зато пришел ее маленький братик, который и рассказал, что вчера сестренка пошла по грибы, а он увязался за ней. Когда возвращались, погода резко переменилась, запахло грозой. Торопясь успеть домой до дождя, девочка посадила малыша на плечи. Перебираясь через хлипкий мостик на болоте, она поскользнулась и увязла. Братишка выбрался на землю, а сестра совсем промокла. К вечеру у нее поднялся жар, и лежала она теперь в постели, сил набиралась. Эта история легла в основу картины и дала ей название.

Много лет художник вспоминал, что вот бы той глазастой девчушке показать, что из истории их получилось… Стоит отметить, что Маковского, даже в период увлечения народничеством, нельзя назвать певцом сирых и убогих. Его люди из народа, как правило, очень красивые, дети непременно пухленькие, со здоровым румянцем на щеках. Кажется, что их очень легко «перенести» в салоны и богатые хоромы.

@pic_history

#КонстантинМаковский #Романтизм

"Дети, бегущие от грозы"
1872 г.Константин Егорович МаковскийГосударственная Третьяковская галерея.

«Дети, бегущие от грозы» – одна из самых обаятельных передвижнических картин Константина Маковского. В те годы он много путешествовал по России, привозил зарисовки, а иногда и готовые картины из Саратовской, Тверской, Тамбовской губерний. Но именно эту картину он заканчивал в Петербурге. У нее весьма интересная история.

@pic_history

*📰 *Акварели великой княгини Ольги Романовой продали за ₽60 млн

Сумма итогов аукциона вдвое превысила заявленный эстимейт.

Коллекция из 43 акварельных рисунков впервые оказались на торгах, поскольку еще при жизни княгини они ушли к частным ценителям творчества Ольги Романовой. Помимо акварелей княгини, на торгах оказались редкие артефакты, связанные с домом Романовых, — личные автографы императоров, портреты монархов кисти известных художников и старинные иконы.

В ходе торгов был установлен исторический рекорд стоимости ее работ. Акварель «Со службы» 1920–1930 годов продана за 7 млн руб. (в 2,5 раза превышает предыдущий максимум аукциона Christie's), «Пейзаж провинциального города» — за 3,1 млн руб. (в восемь раз дороже стартовой цены).

Ольга Романова — великая княгиня, дочь Александра III и младшая сестра последнего русского императора Николая II. Она с детства проявляла талант к рисованию, училась у признанных мастеров живописи. До 1917 года великая княгиня регулярно занималась творчеством, участвовала в выставках. Свои работы она дарила родственникам и друзьям, иногда отдавала на благотворительные базары и всегда подписывалась лаконично — О.А. (в эмиграции — Olga).

🎭 @artnews_tg— новости искусства. самое важное и интересное. подписывайтесь.

источник

"Ваза пионов на малом постаменте"
1864 г.
Автор - ?
Музей д’Орсе, Париж.

@pic_history

В данном случае речь даже не об оттенках: женские тела просто написаны зеленым и фиолетовым. «Неадекватное» для академизма использование чистого цвета – методика не только Машкова. «Почему Вава зеленая?» – позже будут спрашивать критики и зрители, глядя на портрет второй жены Марка Шагала.

В то время нередко русские авангардисты, увлеченные французскими направлениями в искусстве и французскими художниками – Сезанном, Матиссом, – писали чистыми цветами в противовес сторонникам академического течения, которые смешивали на палитре цвета, чтобы добиться нужного «оттенка телесности». Но пришедшие на смену им живописцы не желали следовать канонам, они создавали свои, следующим же шагом их разрушая.

У Машкова с изображением женских тел вообще интересная история. Он это дело любил и писал обнаженных женщин практически всю жизнь. Как правило, они напрочь лишены изящности, зато написаны объемно. Художник словно специально подчеркивает их массу, телесность, плоть искрится и переливается, нередко благодаря цветовым решениям.

Критика воспринимала такие эксперименты очень неоднозначно. Его обвиняли в том, что натурщицы «все в синяках и кровоподтеках; одна вишневая, как будто купалась в настойке, и на самом неудобном месте желтый туз, вырезан сердечком».

Известно, что иногда Машков пресловутое «я художник, я так вижу» писал с натуры, предварительно раскрасив своих натурщиц в соответствующие цвета. Чаще он применял все же переливы цветов, а не чистый «ненормальный». Он явно склонен к натурному изображению, то есть творческое преобразование реальности для Ильи Машкова начинается не в момент прикосновения кисти к холсту, а еще на этапе взаимодействия с собственно реальностью.

При этом представитель академизма Константин Маковский считал, что «среди русских «Матиссов и Ван Гогов» наиболее впечатляющее дарование все-таки — москвич Илья Машков...А если уступает Матиссу и Ван Гогу в четкости красочного рисунка и умении «гармонировать» диссонансы, которыми поражают французы, то самым «цветом» может соперничать с любым лауреатом крайнего модернизма».

@pic_history

#ИльяМашков

Датировка

Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года.

Сюжет

На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью.

Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу.

Над кем насмехается Босх?

Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги.

Загадочный человек в зелёном

Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе.

@pic_history

#ИеронимБосх

"Фокусник"
1502 г.
Иероним Босх
Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле.

Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным.

@pic_history

Картину Эгона Шиле «Объятия (Любовники)» часто сравнивают с произведением австрийского художника Оскара Кокошки «Невеста ветра», которое было написано тремя годами ранее. При ясном композиционном и сюжетном сходстве эти произведения совершенно по-разному заряжены эмоционально и символически. Герой Кокошки одинок в своем противостоянии страшной стихии, его возлюбленная безмятежно спит и не чувствует тревоги наступающего страшного мира. У Шиле любовники спасаются друг в друге, в страстном, нервном объятии находят недолгое ощущение счастья. Переживания мужчины и женщины здесь схожи – Шиле освобождает женщину от многовековой необходимости быть объектом сексуального желания в искусстве и позволяет ей быть субъектом взаимного познания, чувствовать то же, что чувствует мужчина: страх, желание, неуверенность, власть, страдание, наслаждение.

Картина написана хоть и молодым совсем мужчиной 27 лет, но этому молодому мужчине оставалось жить всего год, и в его личной хронологии жизни – это время зрелости. Больше 40 автопортретов, написанные к этому времени Эгоном Шиле, изучали и фиксировали, каково это – жить в мужском теле. Сотни рисунков и картин обнаженных девушек и женщин научили Шиле чувствовать, каково это – быть в женском теле.

@pic_history

#ЭгонШиле #Экспрессионизм

Telegram

История одной картины