Теодор Жерико
Печь для обжига извести.
1822—1823
Холст, масло. 50 × 61 см
?Лувр, Париж

«Печь для обжига извести» входит в группу пейзажей, появившуюся в результате изысканий художника в области жанровой живописи. Картины из этой группы, написанные в последние годы жизни художника, объединяет общее решение: «тёмная цветовая гамма, объёмная моделировка форм, передающая эффект материальности, какая-то особая мрачная выразительность».
Жерико запечатлел пейзаж, который однажды открылся ему во время его прогулки с Дедрё-Дорси по Монмартру. Художник сделал набросок, с которого позднее написал картину.

Вход в сарай, где находится печь для обжига извести, освещается лучом света. Из сарая вырывается светлое облако дыма или известковой пыли, контрастирующее с тёмным небом. Земля, лишённая растительности, написана черновато-синим тоном. Несколько лошадей с торбами на мордах — единственные живые существа в «этой меланхолической среде». Картина почти монохромна: художник использовал землистые, бежевые и коричневые тона. Отсутствие человеческих фигур переводит полотно из разряда жанровых картин в пейзаж, а мрачное настроение, пожалуй, впервые в изобразительном искусстве Нового времени раскрывает конфликт, порождённый воздействием человека на окружающую среду.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?

«Новый Рим. Замок святого Ангела» — серия картин русского живописца Сильвестра Феодосиевича Щедрина, написанная в ранний римский период (1821—1825).

Холст, масло. 44,7 × 65,7 см
?Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Изображена набережная Тибра неподалёку от дома, где жил художник.
Эта серия является поворотным этапом в творчестве Щедрина. Прежде всего, по-новому трактуется сам сюжет: рыбачьи лодки на воде с людьми, стены жилых домов — вот первый план, а «старый» Рим (замок Святого Ангела и Собор Святого Петра) перемещается в глубину и становится своеобразным фоном. Меняется в этих пейзажах и цветовая гамма: на смену сумрачным коричневым тонам первых щедринских работ приходят теперь более холодные — серебристые, голубые и зеленоватые тона. Эта серия пейзажей — очень удачный опыт Щедрина-пленэриста, мастера живописи на открытом воздухе.
По словам одного из современников, «художник должен был повторить этот вид восемь раз… Всякий раз он изменял воздух и тон картины».
Композиционное единство достигается благодаря изображению Тибра. Если справа и вдали возвышаются величественные строения замка Святого Ангела, собора св. Петра и Ватиканского дворца, олицетворяющие «старый Рим», то слева композицию замыкают дома городской бедноты — «Рим новый» (квартал Трастевере). Этим Щедрин подчёркивает, что в «Вечном городе» бок о бок существует высокое и низкое, вечное и временное. С особой тщательностью изображены простые римляне на берегу Тибра, придавая картине неподдельную жизненность и достоверность.
Картина «Новый Рим. Замок святого Ангела» имела большой успех, и впоследствии художник часто повторял этот мотив при разном освещении. В Государственной Третьяковской галерее хранятся три варианта полотна.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться?

Джон Констебл
Вид на собор в Солсбери из епископского сада. 1823 год
Холст, масло. 87,6 × 111,8 см
?Музей Виктории и Альберта, Лондон.

В начале 1820-х годов по заказу своего друга архидиакона Джона Фишера Констебл написал несколько набросков, этюдов и картин с видом на знаменитый средневековый Солсберийский собор. Наверное, самая известная из этих работ — вид на собор из епископского сада, где пластика живой арки, образуемой тенистыми деревьями на переднем плане, эффектно сочетается с изысканностью готического здания вдали. Такое разделение полотна на два плана — тёмный передний и светлый задний — создаёт эффект «картины в картине».

Как и на картинах немецких романтиков, собор здесь служит не просто изображаемым объектом, а символом национальной истории и гармонии вселенского порядка.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться?

Жак Луи Давид Раздача орлов. 1810 год.
?Версаль, Франция.

Картина маслом Жака Луи Давида 1810 года, изображающая военную церемонию в 1804 году, организованную Наполеоном после его прихода к власти в качестве императора французов. На церемонии Наполеон стремился возродить военный дух Римской империи.

Полное название произведения — фр. Serment de l’armée fait à l’empereur après la distribution des aigles au champ de Mars, 5 décembre 1804, что буквально переводится как «Клятва армии, принесённая императору после раздачи орлов на Марсовом поле, 5 декабря 1804 года».

Картина находится в коллекции Версальского дворца. Она выставлена в Коронационном зале (фр. Salle du Sacre), где также находится второй вариант картины Давида Коронация Наполеона.

Изображённое событие произошло 5 декабря 1804 года, через три дня после церемонии коронации Наполеона. Он раздавал «орлов», изготовленных по образу и подобию римских аквил. Штандарты символизировали собой полки́, набранные в различных департаментах Франции, и предназначались для того, чтобы вызывать чувство гордости и верности среди войск, которые станут основой нового режима Наполеона. Наполеон произнес эмоциональную речь, в которой настаивал, чтобы войска защищали штандарты ценой своей жизни.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?

Жак Луи Давид

Коронование императора Наполеона I
и императрицы Жозефины
в соборе Парижской Богоматери
2 декабря 1804 года. 1805—1808
?Лувр, Париж.

Картина французского художника Жака Луи Давида, созданная по заказу императора Франции Наполеона I и изображающая эпизод его коронации, произошедшей 2 декабря 1804 года в соборе Парижской Богоматери. Матери Наполеона не было на его коронации, однако при заказе картины император попросил Давида изобразить её в самом центре.

Давид создал своё полотно под впечатлением от картины Рубенса «Коронация Марии Медичи». Он выбрал момент, когда Наполеон коронует свою супругу Жозефину, а папа Пий VII даёт ему своё благословение. Художник работал над картиной два года: получив устный заказ в сентябре 1804 года, он приступил к работе 21 декабря 1805 года, положив последний мазок в январе 1808 года. Вскоре картина была представлена публике: с 7 февраля по 21 марта она выставлялась в Салоне.
Картина оставалась в собственности художника вплоть до его отъезда из Франции после падения Наполеона. В 1819 году была перенесена в Королевские музеи, где хранилась в запасниках. В 1837 году по приказу короля Луи-Филиппа полотно было передано музею истории Франции в Версале, в 1889 году передано в коллекцию Лувра. Экспонируется на 1-м этаже галереи Денон, в 75-м зале. Код: INV. 3699.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?

Франсиско Гойя Полёт ведьм. 1798
?Музей Прадо, Мадрид.

Картина «Полёт ведьм» была приобретена семьёй испанских грандов герцогом Педро Тельес-Хироном и герцогиней Марией Осуна в 1798 году. «Полёт ведьм» входит в серию картин Франсиско Гойи, связанных с колдовством и ведьмами («Заклинание», «Ведьминский шабаш» 1798 года и «Ведьминский шабаш» 1823 года, «Ведьминская кухня», «Дьявольская лампа» и «Каменный гость»). Некоторые критики считают картину «самым красивым и мощным из рисунков ведьм Гойи».
Картина размещалась в поместье грандов Ла-Аламедаruen на окраине Мадрида. В 1896 году «Полёт ведьм» был продан Рамону Ибарре на публичных торгах имущества поместья семьи Осуна. В 1985 году картину приобрёл Хайме Ортис Патиньо. В 1999 году полотно было приобретено музеем Прадо.

По мнению ряда искусствоведов, картина представляет собой рационалистическую критику суеверий и невежества, особенно в религиозных вопросах: ведьмы здесь символизируют насилие испанской инквизиции (восходящие языки пламени на головных уборах их санбенито указывает на то, что летящие создания были осуждены как нераскаявшиеся еретики, а значит будут сожжены на костре). О том, что ведьмы уже были в руках инквизиции, говорят их головные уборы, выглядящие как католические епископские митры с характерными двойными остриями. Таким образом, можно трактовать картину как обвинение судов инквизиции, действия которых неявно приравниваются к суевериям и ритуальным жертвоприношениям. Кроме того, осёл также выступает как традиционный символ невежества.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?

Григорий Угрюмов Испытание силы Яна Усмаря. 1796 (1797?) год

Картина русского художника Григория Угрюмова (1764—1823), оконченная в 1796 (или 1797) году. Хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге. Размер — 283 × 404 см. Употребляется также более длинное название картины — **«Испытание князем Владимиром силы русского богатыря Яна Усмаря перед поединком его с печенежским богатырём».

Сюжет картины** основан на летописном сказании о сражении 992 года, в котором древнерусское войско князя Владимира Святославича победило печенегов. Перед началом битвы надо было найти воина, который смог бы достойно сразиться с печенежским богатырём. Им оказался сын киевского кожемяки Ян Усмарь, который с честью выдержал предложенное ему испытание — руками остановил бегущего разъярённого быка, вырвав у него кусок кожи.
В июле 1797 года, после того как Угрюмов закончил работу над картиной, она была одобрена чрезвычайным собранием Императорской Академии художеств, и за неё художнику было присвоено звание академика. Полотно долгое время находилось в собрании Академии художеств, а в 1923 году было передано в Государственный Русский музей.
Искусствовед Алла Верещагина считала «Испытание силы Яна Усмаря» самой лучшей из работ Угрюмова, несмотря на то, что эта картина содержит не так много историко-этнографических деталей, как некоторые другие живописные произведения художника. Искусствовед Алексей Савинов отмечал удачное композиционное построение полотна, сочетающее динамичную группу воинов слева, князя Владимира справа, а Яна Усмаря с разъярённым быком — в центре. По мнению искусствоведа Нонны Яковлевой, «зрелое мастерство и вдохновенный порыв выделяют „Яна Усмаря“ не только среди произведений Угрюмова, но и ставят его на особое место в истории русского искусства».

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?

Франческо Гварди
Пожар на масличных складах в квартале Сан-Маркуола. 1789

Пожар масличных складов в квартале Сан-Маркуола (в венецианском гетто) произошел 28 ноября 1789 года. Гварди, которому на тот момент было 78 лет, отправился на место, чтобы сделать натурные наброски двух рисунков, один из которых сейчас хранится в Музее Коррер в Венеции, другой — в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Именно с первого наброска была написана картина, хранящаяся в Галерее Академии.

Художник изобразил последнюю фазу пожара: огонь перекинулся на соседние со складами дома, высветил стены и крыши, на которых пожарные героически пытаются потушить пламя. Передний план картины почти по всей горизонтали обозначен спинами сочувствующих прохожих (фигуры людей со спины выполнены еще по канонам рококо, в то время, когда уже утверждался неоклассический стиль). Сумеречный колорит написан горячей палитрой оттенков красноватого и золотистого цветов, передающих жар огня. Динамическая кисть художника с живым мазком, переносящим на полотно хаотичные порывы стены пламени, свободная и стремительная. Гварди пытался не нарисовать огонь, а передать его разрушительную и всепоглощающую силу.
Это одно из последних полотен Гварди, оно относится к документальному жанру, к которому художник уже обращался в таких работах, как «Подъем аэростата» и «Празднование по случаю приезда графа и графини Норд».

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?

Франсиско Гойя Святой Франсиско де Борха и умирающий нераскаявшийся грешник. 1788 год

С момента своего создания в 1788 году и до нынешних времён картина неизменно находится в Валенсийском соборе.

На полотне Гойи изображён один из популярных мотивов в иезуитской иконографии — чудо святого Франсиско, которого привели к закоренелому грешнику, отказавшемуся от обряда елеосвящения. Рана Христа на распятии, обращённым святым Франсиско к не желающему раскаиваться грешнику, закровоточила, изливаясь в направлении умирающего. Тот испускает последний вздох, проклиная Христа, и бесы забирают его душу.

Зелёная занавесь делит композицию на две части: правая — это пространство святого с распятием, а левая — грешника с бесами. Мужчина, умирающий от боли, лежит полуголый в постели, его резко выделенная обмякшая нога высовывается из-под простыни. Лицо искажено агонией, цвет кожи как у мертвеца. То, как Гойя нарисовал это тело, предвосхищает собой стиль, характерный для его более поздних «Мрачных картин». Грудь раздувается, как бы скрывая внутри демона, который борется со святым за душу грешника. Испанский искусствовед Альфонсо Перес Санчес отмечал композиционное сходство полотна Гойи с «Андромахой, оплакивающей Гектора» Жака-Луи Давида, особенно в положении тела. Эта картина 1783 года обеспечила Давиду место в парижской академии, но неизвестно, был ли Гойя знаком с этой работой. Историки искусства предполагают, что Гойя отправился во Францию в 1787 году и, возможно, тогда познакомился с творчеством Давида.
Для картины характерна сильная экспрессия, что отличает её от других религиозных произведений Гойи того же периода и свидетельствует о нелинейной эволюции стиля живописца. Мрачная атмосфера этой картины контрастирует со «Смертью святого Иосифа», которую Гойя написал годом ранее. Та картина наполнена тёплым светом, миром и любовью, в то время как здесь умирающий грешник наполнен чувствами напряжения и страха.

⚡️История Картин?️
➡️ пройти и осмотреться ?