​"Роза", Томас Аншуц
1907 г. Холст, масло, 147,3 х 111,4 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Фонд Маргариты и Фрэнка А. Косгроув-младших)

Американский художник, соучредитель школы Дарби Thomas Pollock Anshut (1851–1912) известен своими портретами и жанровыми сценами.
После Гражданской войны в США началась эпоха, которую Марк Твен назвал «позолоченным веком» — эпоха Дж. П. Моргана, Джона Д. Рокфеллера и баронов-разбойников. А там, где появляется новое богатство, наверняка найдется множество художников, нанятых для увековечения памяти его владельцев. В течение десятилетий после 1870 года американская портретная живопись достигла элегантности, которая могла соперничать с элегантностью британской портретной живописи XVIII века. и расточительность, которую предыдущие поколения считали неприличной.
Картина "Роза" - одна из серии впечатляющих изображений Ребекки Х. Уэлен, дочери попечителя Пенсильванской академии изящных искусств, где преподавал Аншуц. Свободная и красивая женщина с цветком — распространенная тема в американской живописи конца девятнадцатого века. Портрет, написанный Томасом Аншуцем, отражает современное определение собственно сферы женщины: досуг, красота и эстетика, а также гармониния домашней среды.
«Роза» отражает одновременное признание Аншуцем академической строгости и психологических исследований Икинса и живописной свободы Джона Сингера Сарджента. Изображая молодую женщину созерцательной, но в то же время интеллектуально и эмоционально активной, Аншуц также предвосхищает более приземленных женщин, нарисованных членами Школы Ашкана и другими реалистами двадцатого века.

**"Искушения святого Антония Игумена", Квентин Метсис и Иоахим Патинир

1515-22 гг. Масло, панель, 155 х 173 см. Музей Прадо, Мадрид**

Совместная работа двух фламандских художников: Квентина Метсиса (1465/66–1530) и Иоахима Патинира (1480–1524).

Пейзаж с острыми скалами на среднем плане и высоким горизонтом типичен для работ Патинира. Несмотря на то, что на этой картине есть только подпись Патинира, участие Квентина Массиса в изображении фигур было принято с середины шестнадцатого века. Модель старухи в чем-то похожа на героиню его картины «Старуха, рвущая на себе волосы».

Святой Антоний в центре обширного пейзажа окружен тремя прекрасными женщинами, которые пытаются заставить его съесть яблоко греха. За ними старый сводник олицетворяет обман и подстрекательство ко злу. Обезьяна, считающаяся таким же развратным животным, как молодые черти, тянет святого за одежду. На среднем плане расположены сцены из «Золотой легенды» Якопо де ла Воранье, в том числе разнообразные искушения Святого Антония, которым он подвергся от рук демонов или красивых обнаженных женщин, за которыми скрывается дьявол.

"Дракон и тигр", Хасэгава Тохаку

1606 г. Пара шестипанельных складных ширм; бумага, тушь, 154,2 х 340 см.
Бостонский музей изящных искусств

Японский художник Хасэгава Тохаку (1539–1610) считается одним из великих живописцев периода Адзути–Момояма . Наиболее известен своими складными ширмами бебу, такими как "Дракон и тигр".

Дракон и тигр, изображенные художником, олицетворяют элементы воды и ветра в китайской космологии: жуткий дракон вызывает дождевые облака, грозы и молнии, а тигр олицетворяет ужасную, непредсказуемую силу ветра.

Хасэгава Тохаку начал свою творческую карьеру как художник буддийских картин в своей родной провинции Ното. К 20 годам Тохаку стал профессиональным художником. Он изучал стили живописи тушью более старых периодов Сун, Юань и Муромати, исследуя свитки Му Ци и Сэссю Тойо. Тохаку разработал свой собственный стиль сумие, который во многом отличался от смелых техник, характерных для школы Кано, и отсылал к минимализму своих предшественников.

Школа, основанная Хасэгавой Тохаку, сегодня известна как школа Хасэгава. Эта школа была небольшой и состояла в основном из Тохаку и его сыновей. Они сохранили тихую и сдержанную эстетику Тохаку, которую многие приписывают влиянию Сэссю, а также его современника и друга Сэн-но Рикю.

«Скорбен рассудком»

Русские художники, страдавшие психическими расстройствами

1. Павел Андреевич Федотов (1815–1852)

Когда автору «Сватовства майора» и других хрестоматийных полотен исполнилось 35 лет, его состояние духа начало стремительно ухудшаться. Если раньше он писал сатирические картины, то теперь они стали депрессивными, полными ощущения бессмысленности жизни. Бедность и тяжелая работа при недостатке света привели к ухудшению зрения и частым головным болям.

Весной 1852 года началось острое психическое расстройство. Современник пишет: «Между прочим, он заказал себе гроб и примерял его, ложась в него». Затем Федотов придумал себе какую-то свадьбу и стал транжирить деньги, готовясь к ней, зашел ко множеству знакомых и в каждой семье посватался. Вскоре Академию художеств известили из полиции, что «при части содержится сумасшедший, который говорит, что он художник Федотов». Его поместили в частное заведение для страждущих душевными болезнями венского профессора психиатрии Лейдесдорфа, где он бился об стену головой, а лечение заключалось в том, что его били в пять кнутов пять человек, чтобы усмирить. У Федотова были галлюцинации и бред, состояние его ухудшилось.
Больного перевели в больницу «Всех скорбящих» на Петергофской дороге. Его друг писал, что там «он в бешенстве кричит и буйствует, носится с мыслями в небесном пространстве с планетами и находится в положении безнадежном». Умер Федотов в том же году от плеврита. Наш современник психиатр Александр Шувалов предполагает, что художник страдал шизофренией с синдромом острого чувственного бреда с онейроидно-кататоническими включениями.

1. Алексей Васильевич Тыранов (1808–1859)

Бывший иконописец, которого подобрал Венецианов и научил реалистической живописи, позже поступил в Академию художеств и получил золотую медаль. Из пенсионерской поездки в Италию он вернулся в 1843 году на грани нервного срыва, как говорят — из-за несчастной любви к итальянке-натурщице. И на следующий год попал в петербургскую психиатрическую больницу. Там его сумели привести в относительный порядок. Следующие несколько лет он провел на родине, в Бежецке, а потом снова работал в Петербурге. Скончался Тыранов от туберкулеза в 51 год.

1. Пимен Никитич Орлов (1812–1865)

Любители русского искусства XIX века помнят Пимена Орлова как неплохого портретиста, работавшего в манере Брюллова. Он успешно закончил Академию художеств и выиграл пенсионерскую поездку в Италию, куда и уехал в 1841 году. Ему неоднократно приказывали вернуться на родину, но Орлову прекрасно жилось в Риме. В 1862 году 50-летний Орлов, к тому моменту академик портретной живописи, заболел нервным расстройством. Русская миссия устроила его в лечебницу для душевнобольных в Риме. Через три года он умер в Риме.

1. Григорий Васильевич Сорока (1823–1864)

Крепостной художник оказался одним из самых талантливых учеников частной школы Венецианова. Но его владелец, в отличие от хозяев многих других венециановцев, отказался дать Сороке свободу, заставлял его работать садовником и ограничивал как мог. В 1861 году художник наконец получил вольную — от Александра II Освободителя, заодно со всей страной. На воле Сорока защищал свою общину, сочиняя жалобы на бывшего барина. Во время одного из конфликтов 41-летний художник был вызван в волостное правление, которое его приговорило «за грубости и ложные слухи» к трехдневному аресту. Но по болезни Сороку отпустили. Вечером он отправился в горшечный сарай, где повесился. Как написано в протоколе — «от неумеренного пьянства и произшедшей от того грусти и с помешательством рассудка вследствие нажитого дела».

​«Атомная Леда»
1949 г. Театр-музей Дали, Фигерас

Это было неожиданно. Гладкая, томная, до стерильности правильная Леда-Гала обнимает анатомически безупречного Лебедя-Зевса. Считывание классического мифа о Леде дается без всякого напряжения зрения, не требует знания тонкостей личной «далинистской мифологии» художника и всех значительных трудов Зигмунда Фрейда.

«Атомную Леду» написал художник, который до сих пор всегда писал иначе: обезглавленные женские тела, из которых кровь стекает в аккуратный бассейн, афганская борзая, лапа которой при пристальном рассмотрении превращается в вазу, а при еще более пристальном – в лицо поэта Лорки, мягкие часы и горящие жирафы, вытянутая ягодица Ленина, подпираемая костылем, антропоморфные руины и ребрышки ягненка у Галы на плече, бесформенные гигантские мягкие тела, парящие над пустыней. И вдруг – возвращение к классицизму. Что же произошло? Что стало причиной такого резкого поворота и был ли этот поворот сдачей сюрреалистских позиций?

В 1940 году в Америку уехал Дали-сюрреалист. А в 1948 вернулся в Испанию, в Порт-Льигат, Дали-католик и Дали-исследователь. Причем, одно другому не мешает. Этот новый Дали заявляет, что впредь собирается объединить классицизм, духовность и квантовую физику. И в этом не видит никаких противоречий.

8 лет, проведенные в Америке, стали для Дали временем шоу-бизнеса. Он написал очень мало картин за это время, но с азартом взялся за литературу: выходит автобиография «Тайная жизнь Сальвадора Дали» и даже роман «Скрытые лица». А кроме того Дали сотнями создает эскизы мебели, театральных декораций, витрин. К нему приходит скандальная слава, которая быстро приносит деньги, особый светский статус и привилегии. Война проходит как-то мимо него. И только атомные взрывы в Хиросиме и Нагасаки потрясают Дали и занимают отныне все его мысли. Мир для него перевернулся, все силы его блестящего ума и уникальной интуиции брошены на то, чтоб разгадать новый миропорядок, измерить собственным паранойя-критическим методом размер и суть больших перемен, случившихся с миром. Теперь он думает только о расщеплении атома и провозглашает новый период в творчестве - «атомно-мистический». И «Атомная Леда» станет первой картиной этого периода.

Конечно, Дали не становится реалистом, хотя отдельные элементы картины вполне узнаваемы, слишком узнаваемы и понятны. И как будто этого мало – Дали использует настоящие научные расчеты, чтобы выстроить композицию картины с геометрической точностью. На ней можно мысленно начертить пентаграмму – и центральное изображение впишется в нее безупречно. Но Дали использует один важный эффект, который включает мистическое ощущение и без которого этот сюжет стал бы просто скучной журнальной иллюстрацией или салонной картинкой. Здесь ничто ни с чем не соприкасается. Леда обнимает, но не касается лебедя, ноги Леды не касаются книг, море не касается берега, а словно нависает над ним, даже архитектурный декор не касается постамента, на котором не-восседает Леда.

Новейшие научные исследования, за которыми Дали тщательно следит и изучает, становятся для него источником нового художественного стиля. Антиматерия, расщепление атома… Вот она настоящая мистика.

**"Неравный брак", Фирс Сергеевич Журавлев

1880 год, холст, масло, 123 х 94 см, Екатеринбургский музей изобразительных искусств**

Свадьба - одно из наиважнейших событий в жизни каждого человека. И художники, конечно, не могли обойти вниманием эту обширную тему. На картинах русских живописцев XIX века отражены брачные традиции и тенденции того времени, события, с которыми были связаны свадьбы.

В реалистических работах Фирса Журавлёва всегда изображалась настоящая жизнь, с бедами и радостями, надеждами и разочарованиями. Картина "Неравный брак"(используются названия "После свадьбы" "После свадебной церемонии" и "После венчания" продолжает серию работ мастера, посвящённых несчастливому замужеству. На ней изображена плачущая женщина в подвенечном наряде, в облике которой сквозит неприкрытое отчаяние: безвольная рука повисла плетью, глаза закрыты – так хоть на несколько мгновений отдалится роковая минута.

Пара вступила в неравный брак. Новоиспечённая жена свежа и хороша собой – это её единственное приданое. Однако достаток не волнует седовласого мужа, который в нетерпении выглядывает из алькова. Он имеет чин и соответствующее положению жалование. Его богато обставленному дому не хватает лишь молоденькой, приятной во всех отношениях хозяйки.