#партнерскаяинтеграция Приглашаем вас на Ночь открытых дверей Universal University 18 июля!

• Наши друзья из Universal University приглашают будущих абитуриентов бакалавриата и их родителей на Ночь открытых дверей, чтобы ближе познакомиться с внутренним миром креативных индустрий по направлениям: искусство, дизайн, архитектура, музыка, кино, игры и анимации

Что будет?
— экскурсия по кампусу университета для родителей;
— посещение выставок в свободной форме Degree Show и МАРШоу совместно с Британкой и Архитектурной школой МАРШ;
— паблик-ток «I'm cringe but I'm free» о творчестве без внутренних границ и рамок;
— воркшопы по работе с Pinterest, коллажами, Unreal Engine 5 и написанию песен;      
— актерская арт-практика;      
— танцы под диджей-сет Анатолия Айса в сопровождении немого кино.      

За одну ночь гости Universal University смогут погрузиться в атмосферу университета и выбрать близкое себе направление!

?Центр дизайна ARTPLAY, ул. Нижняя Сыромятническая, 10 стр. 3, 5 этаж. Начало в 18:00**  

Регистрация

#смотритесами Год текстильного искусства в Москве: новое направление, новый дух времени, новые имена. Евгений Наумов о выставке «Нити» в фонде Ruarts. Часть 3:

Анастасия Литвинова, как и Шарганова, пришла в современное искусство уже в зрелом возрасте, пройдя обучение сначала в «Свободных мастерских» MMOMA (2021-2022), а затем в «Открытых студиях» Винзавода (2022). За два года Анастасия приняла участие в также 4-й Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» (2023), нескольких ярмарках современного искусства, показала персональную выставку «Два дома» (MMOMA, 2023) и вошла в несколько групповых проектов.

Ее цианотипии на ткани могут вызвать дискуссию о правомерности отнесения их к области текстильного искусства, ведь ткань, а точнее холст, выступает основой подавляющего большинства живописных произведений. Но в случае с серией «Два дома» фотопечать на ткани обладает медиум-специфичностью. Показанная в виде инсталляции на выставке в она, за счет частичной прозрачности отдельных отрезков ткани, как в коллажах Елены Шаргановой, серия превращается в многослойную, проницаемую для зрительского взгляда среду.

Анализируя то, как перечисленные художницы используют текстильный медиум, и какие темы они при этом выбирают, можно в первом приближении обозначить тот zeitgeist, который побуждает авторов обращаться к «рукоделию», а зрителей и кураторов — интересоваться таким искусством. Ткань во всех ее проявлениях, продолжает носить заряд тактильности, даже не имея возможности дотронуться до произведения, мы все равно бессознательно ощущаем теплоту, мягкость, легкость. Ткань может ассоциироваться с одеждой или бельем, покрывалом или полотенцем, то есть с чем-то интимным, касающимся непосредственно тела, и, одновременно, тем, что защищает человека от холода и палящего солнца. Арт-объекты, выполненные в технике ткачества, вязания, пэчворка вызывают воспоминания о домах, где 20-30-летние соотечественники провели детство — коврики, на которых они играли, или которые висели на стене. Сшитые из фрагментов ткани панно оказываются похожи на лоскутные одеяла, вязаные объекты — на бабушкины носки и свитера. В целом, такое использование текстиля в актуальном искусстве, вероятно, выступает свидетельством тяги целого поколения в область безопасного и беззаботного детства, желание защититься от потрясений реального мира. А подчеркнутая рукотворность таких арт-объектов выступает альтернативой повсеместному распространению индустриальных и виртуальных художественных произведений.

#смотритесами

Год текстильного искусства в Москве: новое направление, новый дух времени, новые имена. Евгений Наумов о выставке «Нити» в фонде Ruarts. Часть 2:

Ульяна Ёлкина сообщает, что увлекается текстилем с детства: ее мама дизайнер детской одежды и художница буквально росла в окружении тканей. Последнее определило выбор специальности «Дизайн текстиля» в Художественно-промышленной академии академии им. Штиглица (2018-2022). Решив обратиться к современному искусству Ульяна стала создавать тафтинговые ковры, отсылающие к культуре 2000-х, что можно трактовать как ностальгию по собственной юности, которая совпала с более-менее спокойным периодом в новейшей истории России, ностальгию, которая особенно обостряется во времена великих социальных потрясений. С этими работами художница уже поучаствовала в 1-й Граунд биеннале (Граунд солянка, 2024), выставке «Соткано» (Фонд «Екатерина», 2024) и нескольких ярмарках.

На итоговой выставке 10 сезона «Открытых студий» Винзавода (2023-2024) Ульяна представила монументальный тестильный торт под названием «В слоях страха», показанный также в экспозиции «Нити». Из названия может показаться, что произведение посвящено травматическому опыту детства и юности, то есть имеет автотерапевтическую направленность. Однако, в его форме заложено множество символических элементов, таких как отмечание дней рождения тортом, четыре возраста человека, каждый в характерной гамме и с подходящей текстурой материала, цикличность и выход из нее. Если в предыдущей серии материал и тема произведений художницы работали друг на друга: нежные и приятные образы на мягком ворсистом ковре, то теперь они, как и у Катики, начинают в входят в диссонанс.

Елена Шарганова также росла в творческой среде, ее дедушка был художником и фотографом, тем не менее, решение посвятить себя искусству она приняла не сразу, и МГАХИ им. Сурикова стала для нее вторым ВУЗом. Желая уйти из академической среды в область актуального искусства Елена прошла обучение сначала в «Свободных Мастерских» MMOMA (2022-2023), а затем в «Открытых студиях» Винзавода (2023-2024). За 2023-2024 годы ее работы можно было видеть на выставках «Открыть, закрыть, повторить!» (ЦТИ «Фабрика», 2023), «Соткано» (Фонд «Екатерина», 2024) и нескольких ярмарках. Прокеты «Лучезарный город» и «Терриконы памяти», посвященные истории Нелидова — родного города Елены — также были взяты фондом Ruarts сразу с выпускной выставки 10 сезона «Открытых студий».

В своих многослойных коллажах Елена сочетает различные способы использования ткани с печатью и цианотипией. По всей видимости, текстиль интересует ее, в первую очередь, возможностью создавать полупрозрачные изображения, через которые можно будет увидеть другие фрагменты произведения. Также этот медиум можно интерпретировать как метафору того, как личная и семейная история человека оказывается буквально сшита с местом, где он живет, и каждый уровень произведения символизирует исторический пласт.

#смотритесами

Год текстильного искусства в Москве: новое направление, новый дух времени, новые имена. Евгений Наумов о выставке «Нити» в фонде Ruarts. Часть 1:
В конце июня в Москве открылась выставка «Нити» в фонде Ruarts — уже третий (после 1-й ГРАУНД Биеннале современного искусства и выставки «Соткано» в фонде «Екатерина») и, вероятно, далеко не последний проект, посвященный текстилю в искусстве в 2024 году. Например, на грядущей ярмарке WIN-WIN планируется отдельная секция текстильного искусства. Регулярные посетители художественных галерей уже давно привыкли к арт-объектам, включающие в себя элементы, созданные с помощью ткачества, шитья, вышивки, плетения, вязания, пэчворка, валяния и прочих техник, ассоциирующихся с рукоделием.

В истории искусства XX века эти техники связываются с феминистским искусством, которое, оттолкнувшись от подчеркнуто маскулинных и элитарных течений экспрессивной абстрактной живописи и минималистской скульптуры, высвечивало и вводило в контекст высокого искусства периферийные культурные явления, которые исторически считались малопристижным женским трудом. Позже, в дискурс текстильного искусства вошли концепции постколониализма, что также соответствует стремлению передовых деятелей глобальной западной культуры работать с бинарными оппозициями и реабилитировать вытесненные из «высокой культуры» явления.

В России, которая длительное время сама была периферией культурного дискурса, текстильное искусство появилось несколько позже, в конце 1980-х — начале 1990-х годов, и не имело феминистских и постколониальных коннотаций. В современной же критике мало кого удивляет, что к таким медиумам как вышивка и вязание обращаются и мужчины, однако, если такие объекты созданы женщинами-художницами, их все же принято интерпретировать через категории гендера. Окидывая взглядом проекты 2024 года, мы можем говорить о формировании нового направления «текстильное искусство», включающее очень разные по исполнению и содержанию работы. Кроме того, подобный интерес к этому пока еще экзотическому медиуму и у художников, и у институций, и у коллекционеров, может быть свидетельством некоего общекультурного свига, некого нового zeitgeist.

Итак прожектор общественного интереса обратился в область текстильного искусства, чтобы высветить не только состоявшихся и зарекомендовавших себя авторов, но и тех, кто волей случая или под воздействием духа времени обратились к этому медиуму. Так в экспозиции проекта «Нити» оказалось много произведений, еще недавно находившихся на выпускных выставках. Сегодня мы поговорим о четырех художницах, которые за очень короткое время завоевали признание на московской арт-сцене.

Катика создает художественные панно с помощью вязания крючком из толстых нитей ручного крашения. Сама она объясняет этот выбор случайностью, так как вязанием она занимается с 7 лет, и художественное образование получала именно в этом направлении. Уже имея в своем портфолио несколько международных проектов Катика была принята на 8 сезон «Открытых студий» Винзавода (2022), что, вероятно, и послужило катализатором ее карьеры в Москве. Помимо персональных выставок STARs (Галерея «Ларец», Суздаль, 2023) и «Что мы записали на кассету» (Галерея ZDES, 2022) художница участвовала в коллективных выставках вроде «ССС: Сегодня снова суббота» (Зверевский центр современного искусства, 2023) и «Чего ты боишься?» (Винзавод, 2024), а также 4-й Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» (2023) и нескольких ярмарках.

Основными темами панно Катики выступают образы популярной культуры, в частности эмоджи, сакральные и драматические образы, часто связанные со смертью, и эротические сцены. Такой выбор служит концептуальной рифмой трансгрессии рукоделия в область искусства, так как создают ощущение контраста между техникой, вызывающей ощущение мягкости, уюта и рукотворности и грубым, трагичным или цифровым содержанием.

#смотритесами Евгений Наумов о выставке Тимофея Караффа-Корбута «Эндемики» в Kupol Gallery. Часть 2:

Осталось сказать несколько слов о вероятных источниках заимствования Тимофея Караффа-Корбута. В поисках синтеза формально-стилистической и содержательной составляющих мы можем обнаружить относительно близкий аналог — в книжной графике Мая Митурича и в частности в его иллюстрациях к произведениям Редьярда Киплинга. Художественный метод этого художника сложился в период оттепели, когда подробная реалистическая ахроматическая иллюстрация сталинского времени сменилась более условными и яркими экспериментальными работами. Митурич часто обращался к акварели, создавая упрощенные, но узнаваемые образы человеческих фигур, животных и растений с помощью цветных мазков, не прибегая к контурному рисунку. Его работы колористически и тематически близки живописи Караффа-Корбута, однако разница между подходами этих художников также ощутима.

Более очевидным аналогом, представляющим собой контурные рисунки, составленные из цветных линий, можно считать графику Жана Кокто, хотя для него этот метод не стал основным. Тем не менее мы можем найти в корпусе его работ несколько ярких прецедентов. Подобный декоративный прием сейчас активно используется в коммерческой иллюстрации, дизайне плакатов и других смежных областях. Наиболее ярким художником, использующим эту манеру, является голландский художник Йорди ван ден Ньювендейк. Составляя свои небольшие условные фигуративные композиции из плотной вязи разноцветных линий, график добивается ощутимого декоративного эффекта. Примерно так же выглядят монументальные, но эстетически приятные работы Караффа-Корбута. Возможно они должны были напоминать потенциальному покупателю о теплых странах, где он, вероятно, отдыхал.

Несмотря на цитирования и выстроенные связи со старшими коллегами – отрицать то, что Тимофей Караффа-Корбут имеет собственный художественный язык нельзя. Его высказывания способны воздействовать на зрителя, что для экспрессивного искусства сближающегося с примитивизмом, безусловно, комплементарно. Антология художника, развернувшаяся в Kupol Gallery, представила сразу несколько глав в творчестве автора, суммировав созданный им визуальный мир воедино. Подобное решение позволяет делать выводы о непрерывности и последовательности «красной линии» Караффа-Корбута – его иллюзорных исканий в интуитивном мире впечатлений и мечтаний, зарисованного детской лёгкой рукой. Другой вопрос – каким будет зритель, жаждущий такой картинки перед глазами.

#чистаякоммерция Итоги продаж аукциона dispar:d «Дорогие коллеги»:

Сегодня мы, в качестве эксперимента, решили посмотреть как проходят торги у совсем молодого «аукционного дома» dispar:d. В прошлый раз их команда подготовила нашумевшие торги с политическим искусством, где было продано 19 лотов из 20. Сегодняшний аукцион успех прошедших не повторил — продаж было крайне мало. Причиной тому организаторы называют количество культурных мероприятий (вроде биеннале и ярмарок) — что ж, аукционы в апреле — вещь опасная.

Наиболее востребованными среди покупателей стали лоты с произведениями Миши Гудвина, ставки за которого прошли путь от ₽60,000 до ₽91,000, и Андрея Ефимова – от ₽60,000 до ₽88,000. И это при шаге в ₽3,000.

В целом ясно, что стартовая цена хоть и приемлема, но не доступна для нынешней аудитории проекта — хотя концепция однозначно подкупает: подчеркнутая вовлеченность художников в процесс организации аукционов – не распространённая практика. Нам остаётся пожелать набрать dispar:d'у платежеспособную массу зрителей, а мы продолжим следить за тем, что из этого выйдет!
Курсивом — непроданные работы:1. «Выгорание» Vladimir Net — не продана.
2. «Принцип работы» Влады MVPicture — за ₽30,000.
3. «В одной лодке» Артура Самофалова — не продана.
4. «I`m зе уинер!» Ильи Колесникова — не продана.
5. «Ночь перед дедлайном» Анастасии Коп — не продана.
6. «Мудрость» Миши Маркера — за ₽55,000.
7. «Deadline» Стас Багс — за ₽60,000.
8. «Good morning III» a l e s h a — не продана.
9. «Работник месяца» Антона Левина — не продана.
10. «Массы единиц» Егора Лаптарева — не продана.
11. «Unexpected guest» Миши Гудвина — за ₽94,000.
12. «Not alone» Ани Фельдман — не продана.
13. «Символ прибавочной стоимости» Виталий Простов — не продана.
14. «w31.10x8.23» Андрея Ефимова — за ₽88,000.
15. «Повышение» Торнике Бенделиани — за ₽65,000.
16. «Траектория частного случая» Ярославы Комиссаровой — не продана.17. «Delirium job» Сони Эндрюс — не продана.